美術

「GROUP SHOW: 6 ARTISTS」

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2021/11/23 UP

この度、日本橋三越本店では、青木豊、大山エンリコイサム、黒川良一、桑田卓郎、舘鼻則孝 、ラファエル・ローゼンダールら6名によるグループ展を開催いたします。

「GROUP SHOW: 6 ARTISTS」と題した本展は、それぞれの作家の活動や制作への取り組みにも注目しながら、同じ空間に隣り合ったその様々な表現を心から楽しみ、アートシーンのこれからに思いを巡らせる試みとなります。

出展する6名は、これまでの歴史的な事象や概念を踏まえながらも、今現在における自身の制作動機と真摯に向き合い「かたち」にしていく難しさを可能としている作家とも言えます。それぞれのアプローチは多様で重なることがないとしても、あらわされた作品は革新的であるはずなのに、どこか自然でオーセンティシティを纏い、いつまでも眺めていられるという共通性がそのことを物語っています。

「抽象」「具象」「平面」「立体」「デジタル」「アナログ」「ストリート」など、テーマ・素材・ルーツなど6作家についてのワードは様々ですが、異なるメディウムから紡がれる感性が相関的に結びつき1つの空間になることで、あらたなコミュニケーションが醸成されれば幸いです。

この機会に、ぜひご覧くださいませ。

 

協力:KOSAKU KANECHIKA / Takuro Someya Contemporary Art

 

※都合により出品予定作家の変更がございました。ご了承の程、よろしくお願いいたします。

 

 

<出品作家略歴 ※五十音順>

 

青木豊

1985年 熊本県⽣まれ

2008年 東京造形⼤学造形学部美術学科絵画専攻卒業

2010年 東京造形⼤学⼤学院造形研究科美術専攻領域修了

青木氏は、絵画の視野を広げ、世界と絵画の関係とその可能性を追究する制作活動を行っています。様々なアプローチをとりながらも、制作には一貫して光への眼差しがあり、特にその立体化 – つまり光が時間軸、鑑賞者の存在、展示空間などの特定の環境の要素に補完され、有機的に立ち上がるような豊かさ – を追究しています。デジタル化する日常環境のなかで、人間としての様々な感性が呼び覚まされるような視覚体験を提供します。主な個展に「外の部屋、中の庭」(熊本市現代美術館、2012)、主なグループ展に「絵画の在りか」(東京オペラシティ アートギャラリー、2014)、「VOCA展」(上野の森美術館、2016)、「熊本市現代美術館コレクション展 形が変わることで見えるもの(見えないもの)」(熊本市現代美術館、2016)などがあります。作品は熊本市現代美術館、高橋コレクションにパブリックコレクションとして収蔵されています。

 

Yutaka Aoki

1985 Born in Kumamoto

2008 Graduated from Tokyo Zokei University, majoring in painting.

2010 Graduated from Tokyo Zokei University, majoring in fine art.

Aoki's work broadens the horizons of painting and explores the relationship between the world and painting and its possibilities. Aoki's work, while taking a variety of approaches, has a consistent focus on light, and in particular on its three-dimensionality - the richness with which light is complemented by elements of the specific environment, such as the time axis, the presence of the viewer, and the exhibition space, to create an organic presence. The work offers a visual experience that awakens a variety of human sensibilities in an increasingly digital everyday environment. His solo exhibitions include "The Room Outside, The Garden Inside" (Contemporary Art Museum Kumamoto, 2012), Where Painting Is (Tokyo Opera City Art Gallery, 2014), VOCA (The Ueno Royal Museum, 2016), and What We See (and Don't See) in Changing Forms (Contemporary Art Museum Kumamoto, 2016). His work is included in the public collections of the Contemporary Art Museum Kumamoto and the Takahashi Collection.

 

 

大山エンリコイサム

1983年 東京生まれ

2009年 東京芸術大学美術研究科先端芸術表現専攻修了
エアロゾル・ライティングのヴィジュアルを再解釈したモティーフ「クイックターン・ストラクチャー」を起点にメディアを横断する表現を展開し、現代美術の領域で注目されています。
神奈川県民ホールギャラリー(神奈川)、藤沢市アートスペース(藤沢)、大和日英基金(ロンドン)、マリアンナ・キストラー・ビーチ美術館(カンザス)、ポーラ美術館(箱根)、中村キース・ヘリング美術館(山梨)、タワー49ギャラリー(ニューヨーク)で個展を開催。
著書に『アゲインスト・リテラシー―グラフィティ文化論』(LIXIL出版)、『ストリートアートの素顔―ニューヨーク・ライティング文化』(青土社)、『ストリートの美術―トゥオンブリからバンクシーまで』(講談社選書メチエ)、企画監修に『美術手帖』2017年6月号エアロゾル・ライティング特集、コラボレーションに「コム デ ギャルソン 2012S/S ホワイトドラマ」「シュウ ウエムラ ヴィジョン オブ ビューティー コレクション vol.02 オートストリート」がある。

2020年には東京にもスタジオを開設し、二都市で並行して制作を行なっています。

 

Enrico Isamu Oyama

Enrico Isamu Oyama (b. 1983) received his MFA from Tokyo University of the Arts in 2009. Oyama has garnered critical acclaim within the contemporary art scene for his signature motif, the “Quick Turn Structure,” which has its origins in the visual language of aerosol writing and street culture. Major solo exhibitions include, among others, the Kanagawa Prefectural Gallery (JP), Fujisawa City Art Space (JP), Daiwa Anglo-Japanese Foundation, London (UK), Marianna Kistler Beach Museum of Art, Kansas (US), Pola Museum, Hakone (JP), Nakamura Keith Haring Museum, Yamanashi (JP), and Tower 49 Gallery, New York (US). Oyama’s publications include Against Literacy: On Graffiti Culture (LIXIL Publishing), The Real Faces of Street Art: New York Writing Culture (Seidosha), The Art in the Streets: From Twombly to Banksy (Kodansha). Additionally, he served as editor of a special issue on aerosol writing for Japanese art magazine Bijutsu Techo and has collaborated with brands such as Comme des Garçons and Shu Uemura.

In 2020, Oyama built a new studio space in Tokyo and works in parallel between the two cities of Brooklyn and Tokyo.

 

黒川良一 

1978年大阪生まれ。ドイツ、ベルリン在住。黒川は自身の作品は時間軸を起点とした彫刻作品であるとし、サウンドとビジュアルの両方が一つに合わさることで一つの作品を構成すると捉えています。彼の作品を構成するのは、録音された音と人工的に生成された音とを組み合わせたある種のシンフォニーであり、そこに映像が加わることで、見慣れた風景やモチーフに対する鑑賞者の視点を変えていきます。

これまでの主な展覧会や演奏会として、テート・モダン(ロンドン/イギリス)、ポンピドゥー・センター(パリ/フランス)、ヴェネツィア・ビエンナーレ(イタリア)、ACC・国立アジア文化殿堂(韓国/光州)、上海民生現代美術館(上海)、国立台湾美術館(台中)など。2010年には、アルス・エレクトロニカ(オーストリア/リンツ)を象徴する重要なプライズとなる、デジタル・ミュージック&サウンド・アート部門でゴールデン・ニカ賞(最優秀賞)を授与されています。

 

Ryoichi Kurokawa

1978 Born in Osaka

Kurokawa is a Japanese artist currently based in Berlin, Germany. Kurokawa describes his works as time-based sculptures composed of sound and image as a single unit. His works, which are a kind of symphony of recorded and artificially generated sound and image, shift the viewer’s perspectives of familiar landscapes and motifs.

Kurokawa’s works have been exhibited, among others, at the following venues: Tate Modern, London (UK), Centre Pompidou, Paris (FR), The 54th Venice Biennale Arsenale Novissimo (IT), ACT/ACC (Asia Culture Center), Gwangju (SK), Minsheng Art Museum, Shanghai (CN), and National Taiwan Museum of Fine Arts, Taichung (TW). In 2010, he was awarded the Golden Nica at Prix Ars Electronica in the Digital Musics & Sound Art category.

 

桑田卓郎

1981年 広島県⽣まれ

2001年 京都嵯峨芸術⼤学短期⼤学部美術学科陶芸コース卒業

2002年 陶芸家、財満進⽒に師事

2007年 多治⾒市陶磁器意匠研究所修了

桑田氏はこれまでに目にしたことのない、陶芸の枠を超える表現を発表し続けています。「梅華皮」や「石爆」などの伝統的な陶芸の技術を独創的に表現する桑田の新しい視覚言語は、世界で高い評価を得ています。その核となる伝統表現は桑田氏がスタジオを構える美濃地方で生まれ、安土桃山時代に茶の湯の文化と共に脈々と継承されてきた“わびさび”や自然、不完全なものに美を見出した日本独自の陶芸美学です。桑田はその表現を現代に置き換え、場所、歴史や自然、時代と対話をし続けることによって、伝統とコンテンポラリーを融合させ、また時には相互に刺激し挑発し合うような、他に類を見ないオリジナルな作品を生み出しています。
ニューヨーク、ブリュッセル、ロンドンなど世界各地で展覧会を開催。2018年にはLOEWE Craft Prize 2018の特別賞を受賞。作品はルベル・コレクション、パームスプリングス美術館、金沢21世紀美術館、ミシガン大学美術館、シカゴ美術館など、世界各地のパブリックコレクションに収蔵。

 

Takuro Kuwata

1981 Born in Hiroshima 

2001 Graduated from Kyoto Saga Art College, Faculty of Art and Design, Department of Ceramic Art

2002 Apprenticed under ceramic artist Susumu Zaima

2007 Graduated from Tajimi City Pottery Design and Technical Center

Kuwata continues to produce work that transcends the boundaries of ceramics and is unlike anything we have seen before. His new visual language, in which traditional ceramic techniques such as KAIRAGI (a technique in which the glaze shrinks and wrinkles, resembling the appearance of shark skin) and ISHIHAZE (a technique in which small stones burst toward the surface during firing) are expressed in an original way, has been highly acclaimed worldwide. The core of his work is the traditional expression of “wabi-sabi”, a unique Japanese ceramic aesthetic that finds beauty in nature and imperfection, which originated in the Mino region where Kuwata has his studio and was handed down from generation to generation along with the culture of the tea ceremony during the Azuchi-Momoyama period. By translating this expression into the present day, Kuwata is in constant dialogue with place, history, nature and time, creating unique and original work that blends the traditional and the contemporary, sometimes provoking and sometimes provoking each other.

His work has been exhibited worldwide, including in New York, Brussels and London, and in 2018 he was awarded a special prize at the LOEWE Craft Prize 2018. His work is in public collections around the world, including the Rubell Collection, Palm Springs Art Museum, 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, University of Michigan Museum of Art, and the Art Institute of Chicago.

 

舘鼻則孝 

1985年 東京都⽣まれ

2010年 東京藝術⼤学美術学部⼯芸科卒業

舘鼻氏は、日本古来の文化的に価値のある部分と、現代の要素を組み合わせることで、新たな視点と世界観を提示します。俯瞰的な視野を持ちつつ、詳細を徹底的に掘り下げます。それが工芸的な手仕事で精緻に完成された作品として表現されます。歴史、そのなかで育まれてきた独特の美学、文化や思想。それらを再考することで未来への可能性を示す舘鼻の作品は世界で高く評価され、遊女が履く高下駄から着想を得た代表作「ヒールレスシューズ」等の作品が、ニューヨークのメトロポリタン美術館やロンドンのヴィクトリア&アルバート博物館などに収蔵されています。
「イメージメーカー展」(21_21DESIGN SIGHT、2014)、「Future Beauty」(東京都現代美術館ほか国際巡回、2012)、個展「呪力の美学」(岡本太郎記念館、2016)等で作品を発表。また2016年にはパリのカルティエ現代美術財団で文楽公演を開催するなど、幅広い活動を展開。2019年には2つの大規模な個展「NORITAKA TATEHANA: Refashioning Beauty」(ポートランド日本庭園)、「It’s always the others who die」(POLA Museum Annex)を開催。

 

Noritaka Tatehana

1985 Born in Tokyo

2010 Graduated from Tokyo University of the Arts, Department of Art and Design

Tatehana's work combines culturally valuable aspects of ancient Japan with contemporary elements to present a new perspective and world view. He has a bird's eye view, but digs deep into the details. This is expressed in the form of finely finished works of art with a craft-like hand. Tatehana’s works, which shows the possibilities for the future by rethinking history and the unique aesthetics, culture and ideas that have been nurtured within it, is highly acclaimed around the world.

His work has been shown in exhibitions such as Image Maker (21_21DESIGN SIGHT, 2014), Future Beauty (Museum of Contemporary Art Tokyo and others, 2012) and solo exhibition NORITAKA TATEHANA: Aesthetics of Magic (Taro Okamoto Memorial Museum, 2016). In 2019 he presented two major solo exhibitions, NORITAKA TATEHANA: Refashioning Beauty at the Portland Japanese Garden and It's always the others who die (POLA Museum Annex).

 

ラファエル・ローゼンダール

1980年 オランダ生まれ。ニューヨーク在住。

現在、ニューヨークをベースにしつつ世界中のあらゆる場所で制作を続けています。2000年からウェブ作品を発表し活動を続け、インスタレーション、レンチキュラー作品、ファブリック、詩作などの作品へとスタイルを広げている。2018年に十和田市現代美術館(青森)で初の美術館個展「GENEROSITY 寛容さの美学」を開催。近年の主な展覧会にホイットニー美術館(ニューヨーク)、ポンピドゥ・センター(パリ)、ドルトレヒト美術館(ドルトレヒト)、クンストハル美術館(ロッテルダム)、ステデリック・ミュージアム(アムステルダム)、アーマンド・ハマー美術館(ロサンゼルス)など。 主なコレクションに、ホイットニー美術館(ニューヨーク)、ステデリック・ミュージアム(アムステルダム)、フォールリンデン美術館 (ヴァッセナール、オランダ) 、Lisser Art Museum (リッセ、オランダ)、 MOTI (ブレダ、オランダ)、 Textielmuseum (ティルブルフ、オランダ)、 KRC Collection、Hugo & Carla Brownなど。著書には『Home Alone』(Three Star Books)、『Everything, Always, Everywhere』(Valiz)がある。

 

Rafaël Rozendaal
A pioneer of the net art scene, Rafaël Rozendaal (b. 1980) is a Dutch-Brazilian artist who uses the internet as both his studio and his canvas. While he initially gained global prominence from his websites, Rozendaal has creatively utilized the internet – “the universal library” – to transcend these digital works into the physical world, be it his lenticular paintings, tapestries, and web installations.
In 2018, Rozendaal held his first solo museum exhibition GENEROSITY at Towada Art Center in Aomori Prefecture, Japan. Other recent major exhibitions include, among others, the Whitney Museum of American Art, New York (USA), Centre Pompidou, Paris (FR), Dordrechts Museum (NL), Kunsthal Rotterdam (NL), Stedelijk Museum, Amsterdam (NL), and Hammer Museum, Los Angeles (USA).
Publications include Home Alone (Three Star Books) and Everything, Always, Everywhere (Valiz).

画像

青木豊 Yutaka Aoki

Untitled

2021

アクリル、スプレーペイント、アルミニウムペイント、パネル/Acrylic, spray paint, aluminum paint on cotton mounted on panel

(H)162 x (W)130 cm

© Yutaka Aoki

Photo by Keizo Kioku

Courtesy of KOSAKU KANECHIKA

画像

大山エンリコイサム Enrico Isamu Oyama

FFIGURATI #326

2020

アクリル性エアロゾル塗料、墨、グラファイト、キャンバス/Acrylic aerosol paint, sumi ink, graphite, canvas

(H)180 x (W)150 cm

© Enrico Isamu Oyama

Courtesy of Takuro Someya Contemporary Art

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黒川良一 Ryoichi Kurokawa

lttrans #2

2018

インクジェットプリント/InkjetInkjet print

ed. 6 + 2AP

(H)120 x (W)60 cm

© Ryoichi Kurokawa

Courtesy of Takuro Someya Contemporary Art

 

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桑田卓郎 Takuro Kuwata

TEE BOWL

2021

磁土、釉薬、鋼鉄、顔料 /Porcelain, glaze, steel, pigment

(H)59.5 x (W)61 x (D)60 cm

© Takuro Kuwata

Photo by Yasushi Ichikawa

Courtesy of KOSAKU KANECHIKA

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舘鼻則孝 Noritaka Tatehana

Descending Painting

2021

アクリル、MDF、ステンレス/Acrylic, wood, stainless steel

(H)160 x (W)120 x (D)13.5 cm 

© NORITAKA TATEHANA K.K.

Photo by Keizo Kioku

Courtesy of KOSAKU KANECHIKA

画像

ラファエル・ローゼンダール Rafaël Rozendaal

Abstract Browsing 17 06 05 (Paypal)

2017

ジャガード織/Jacquard weaving

(H)200 x (W)144.1 cm

© Rafaël Rozendaal

Photo by Wild Don Lewis

Courtesy of Takuro Someya Contemporary Art

※作品につきましては会期前のご予約も承っております。

※掲載した作品が展覧会初日に既にご成約済の場合がございますので、予めご了承下さいませ。

※価格のお問合せはコンテンポラリーギャラリー担当(大代表03-3241-3311)まで。

 

 

通常営業時間:午前10時~午後7時。 但し、本館・新館ともに1階・地下階は午後7時30分まで。新館9・10階レストランは午前11時~午後10時

12月31日(金)は午前10時~午後5時。地下1階・地下2階は午後6時閉店。

1月1日(土・祝)は店舗休業日とさせていただきます。

新年は、1月2日(日)午前10時から初売出し。午後6時まで営業。

1月3日(月)は午前10時~午後7時。

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